Scandalo(i) al museo: una vecchia faccenda

Venerdì 14 ottobre, due attivisti di Just Stop Oil (un movimento che si batte per l'arresto dei progetti petroliferi e del gas britannici) sono entrati nella National Gallery di Londra e hanno lanciato la zuppa di pomodoro Heinz sul girasoli (1888) di Van Gogh, prima di attaccare le mani al muro della sala espositiva. Scandalo istantaneo e stratosferico.

Che sia zuppa o purea, la copertura mediatica di questi incidenti soddisfa perfettamente la loro missione di pubblicizzare la causa ambientale. Includono anche, con il loro effetto scandaloso, la propria autogiustificazione, dimostrando che l'attacco all'arte d'ora in poi scandalizzerebbe noi più di quello ai vivi... girasoli essendo protetto dal vetro, metafora di questa protezione dell'arte, l'aggressività simulata di questa azione gli conferisce innanzitutto un significato simbolico. Per discuterne l'attualità ei suoi limiti, è utile risalire alla storia dell'attivismo artistico e degli interventi nei musei.

Arte o attivismo?

Per prima cosa chiariamo ogni malinteso: gli attivisti di JSO, anche se la loro azione utilizza un repertorio artistico, rivendicano solo la dimensione politica della loro messa in scena, e il video della sequenza denota infatti una deliberata elusione di qualsiasi tentativo di estetismo, e persino una certa imbarazzo. Ma possiamo divertirci a guardare le cose dall'altra parte del telescopio: se avessero rivendicato il carattere "artistico" del loro "evento", è sicuro che lo scandalo sarebbe stato molto meno, anche grave. La trasgressione è meglio supportata quando è firmata da un artista che da un attivista. Il che peraltro conferma in qualche modo la portata del loro messaggio: l'arte è diventata un significante rassicurante, addomesticato e in parte innocuo, uno specchio delle nostre nevrosi che porta solo alla riproduzione.

Piccolo paragone: la loro azione è stata molto meno violenta (e sordida) di quella dell'artista-interprete Piotr Pavlenski, autore di un happening diretto ad hominem (E ad penem) contro Benjamin Griveaux, che da parte sua ha superato il limite della simulazione. Ma l'esazione di Pavlenski non suscitò, tutt'altro, lo stesso clamore moralistico. Perché il suo autore era un artista. Senza dubbio anche perché all'opinione pubblica piace Van Gogh più dei suoi attuali dirigenti, ma questa è un'altra storia... Il confronto mostra comunque, se fosse ancora necessario, la minuscola tenuità di ciò che resta del confine tra arte e non- arte: le definizioni non sono più una questione di contesto, ricezione e parametri esterni all'opera stessa, che Nelson Goodman ha definito l'"allografia" dell'art.

Echi alla storia della performance art

Tuttavia, l'azione degli attivisti della JSO è anche parte di questa storia artistica di performance e interventi degli artisti. Alla critica inorridita che ha visto solo i capelli rosa e le scritte sulle magliette sono sfuggiti molti ipertesti (volontari o meno, non è questo il problema: compare una rete di segni) che sarebbe noioso elencare in modo esaustivo: il Grande bicchiere di Duchamp, pittura d'azione, la La zuppa di Campbell di Warhol, "decollo" dall'artista Fluxus Volf Vostell, e persino il banana bloccata on a wall di Maurizio Cattelan… L'elenco à la Prévert sarebbe privo di interesse, ma il gioco di echi è assordante, proprio perché la storia recente dell'arte contemporanea consiste in questa progressiva e inquietante confusione tra estetico e politico.

Per quanto riguarda laartigianato gesto di vandalismo è anche una vecchia storia che risale alle avanguardie storiche: intrisi di ironia nichilista, i trattati e i manifesti dadaisti sono imbottiti di richiami (metaforici) alla rottamazione, mentre Tristan Tzara ha paragonato l'arte a "un poeta con costole come Picabia che rompe tutte le ossa e le rose di vetro". Questo stesso Francesco Picabia che proclamò nel suo Manifesto cannibale (1920) :

“Voi siete i padroni di qualunque cosa rompiate. Abbiamo fatto leggi, morali, estetiche, per darvi rispetto delle cose fragili. Ciò che è fragile è essere rotto. Metti alla prova la tua forza una volta; dopo di che ti sfido a non continuare. »

E Picabia conclude con un eloquente capovolgimento: “Ciò che non puoi rompere ti spezzerà, sarà il tuo padrone. »

E molto prima Pinoncelli, che si è reso famoso urinando e danneggiando l'orinatoio (Fontana) di Duchamp, molto prima L'opera d'arte autodistruttiva di Banksy, c'era Gustav Metzger austriaco, inventore dell '"arte autodistruttiva", l'arte che si autodistrugge: i dipinti, le installazioni si offrivano alla natura, alle sue forze di corrosione che, agendo sulle opere, le deformavano e prendevano il posto dell'artista e del pennello . In tutt'altro registro, il ritiro dell'artista a favore dell'opera della natura o del cosmo si trova in "Arte povera", in "Land art", in performance telluriche di Ana Mendieta... È infinito.

In breve. La lotta tra arte e vita, la drammatizzazione della tensione tra oggetto e gesto sono topos ricorrenti dell'arte contemporanea, parte della quale è stata a lungo utilizzata per denunciare la reificazione dell'arte borghese, la devitalizzazione delle opere nei musei, la loro mercificazione, la loro istituzionalizzazione e loro finanziarizzazione. Questa parte vitalista dell'arte contemporanea, che occupa buona parte della performance art, è stata a lungo (almeno Beuys e Abramovitz) ingresso ai musei, paradosso spesso messo in luce da vari e vari commentatori.

Musei e attivismo

La storia dell'attivismo nei musei è altrettanto vasta: si può pensare stanza da letto (1972) di Chris Burden, ma soprattutto alle azioni di protesta del gruppo Fluxus, intrapreso negli anni '1962 per denunciare la devitalizzazione dell'arte a favore di un'arte borghese, commerciale e innocua, scollegata dal mondo e predigerita per un pubblico amorfo e apatico. I primi festival Fluxus sono serie di sketch in cui rompi qualche piano, in cui trasformi la tua testa in un pennello o il tuo corpo in un violino. A differenza del caso di girasoli che obbedisce a un'ideologia, il pubblico di questi avvenimenti è stato colto alla sprovvista, attraversato allo stesso tempo dalle risate e dallo scandalo di fronte a questi buffoni post-dadaisti. Tra le più famose manifestazioni e picchetti Fluxus, c'è stata la manifestazione con Henry Flint davanti al MoMA nel 1963, E il picchetti contro i concerti di Stockhausen, un compositore di cui avevano fatto il simbolo dell'arte ufficiale europea e reazionaria.

Infine, c'è stato Joseph Beuys che ha aperto la strada a una performance veramente attivista, cioè guidata da una causa, che non era il caso dell'agitazione Dada o Fluxus, tanto meno diretta e intenzionale. Beuys è l'inventore dell'agit-prop artistico ed ecologico come testimoniano diverse azioni: azione di palude (1971), una delle prime manifestazioni di attivismo ambientale per protestare contro il prosciugamento di un mare interno nei Paesi Bassi; Mi piace l'America e l'America come me (l'esibizione con il coyote); 7000 querce presentato a Documenta a Kassel nel 1982 – per citare solo alcuni esempi.

"Sfocatura tra arte e vita"

L'azione della Galleria Nazionale merita di essere messa in prospettiva con questa tradizione di "sfocatura tra arte e vita" ("offuscamento tra arte e vita", secondo l'espressioneAllan kaprow), che mettono in parte l'arte al servizio della politica. Le Femmine, le Guerilla Girls o Pussy Riot ci hanno abituato a questo misto di arte e attivismo, e lo facciamo da molto tempo.

La spolverata di passata di pomodoro costituisce un gesto di disartificazione e desacralizzazione di un'opera d'arte di fama planetaria, e feticizzata dal suo prezzo – una delle prime reazioni degli scandalizzati è stata infatti quella di ricordare il valore di mercato del girasoli, anche se quest'opera appartiene a una collezione pubblica. Tale prospettiva non equivale quindi in alcun modo ad "artificare" (trasformare in opera d'arte) l'azione degli attivisti della JSO, e quindi ancor meno a legittimarli "perché sarebbe arte": l'arte è debitrice alla critica tanto quanto la militanza . Le risonanze con la storia dell'arte non sono né a suo favore né contro di essa, ma ci offrono altri strumenti critici per sfuggire un po' alla polemica e cambiare prospettiva. La filiazione con Beuys, ad esempio, è valida in tutta la sua ambivalenza: l'artista tedesco turba ancora per la sua vicinanza all'antroposofia, il suo personaggio megalomane da "guaritore", il suo riciclaggio del simbolismo nazista a scopo di "riparazione"...

La pura, ma vantaggiosa irritazione per i media, suscitata da questo intervento (in definitiva benigno) alla National Gallery serve a rivelare il contesto dell'accoglienza - e rivelare il contesto è spesso lo scopo ultimo della performance art, spesso definito "ambientale" dagli artisti stessi : il nostro tempo è saturo di trasgressioni, brusio, sconvolgimento, ma anche verissimi attacchi all'arte e alla libertà di espressione. Non sorprende che questo tipo di irruzione sia accolta male. Inoltre, il dualismo ideologico che fa da cornice all'intervento è per esso pregiudizievole: oltre al fatto che opporsi alla natura e alla cultura è un antiumanesimo potenzialmente pericoloso, affermare che la cultura sarebbe più protetta della natura è, nel migliore dei casi, sconcertante ingenuità e ignoranza. Non toglie nulla all'interesse di ricordare che, nonostante l'estrema artificializzazione del nostro ambiente, l'arte continua ad aver bisogno della vita per esistere. Quell'arte senza vita è solo arte di zombi. Fu (forse) questa meditazione a cui ci invitò Pascal Rambert mettere in scena l'epopea di Gilgamesh nel campo dei girasoli sull'isola di Barthelasse, ad Avignone....

In ogni caso, stiamo attenti a non contrapporre natura e cultura tenendo presente l'aforisma di Oscar Wilde ("La natura imita ciò che l'opera d'arte le offre") e quello di Robert Filliou ("L'arte è ciò che rende la vita più interessante dell'arte").

Grazie alla regista Yaël Bacry che, attraverso le sue riflessioni ei nostri scambi, ha contribuito ad alimentare questo articolo.

Nota: Isabelle Barbéris sarà in diretta nello show Segno dei tempi, su France Culture, domenica 30 ottobre dalle 12:45 alle 13:30

Isabella Barberis, Docente HDR in Lettere e Arti, Università della città di Parigi

Questo articolo è ripubblicato da The Conversation sotto licenza Creative Commons. Leggi ilarticolo originale.